La música 'house' sigue viva

Utopía en primer grado

Mi más sincero homenaje a este tema de Goldfrapp, un grupo británico de lo que se llamó trip-hop, auspiciado por Tricky y Orbital. El grupo nació en el 2000 y en 2001 sacaron Felt Mountain, un disco que contiene temas tan sugerentes como este Utopia. Para mi, uno de los mejores temas de pop de la historia.

Es una balada desesperanzada, adornada con cantos de sirena, rellena de una melancolía dulce y venenosa. Es un tránsito por una sensualidad desbocada, como bailar un vals al filo de un abismo.

La utopía, como concepto filosófico, sume en la desesperación a los impacientes. Es una entelequia pura; el deseo frustrado de conseguir una perfección que se sabe imposible. De forma magistral se resume en este tema de Goldfrapp.

Como ya suele ser habitual en los grupos anglosajones, la letra es un engrudo sin sentido, pero que le vamos a hacer:

“Es un día extraño / sin colores ni formas / Ningún sonido en mi cabeza / Me olvido de quién soy cuando estoy contigo / No hay razón / No hay sentido / Me olvido / Baby fascista / Utopía, utopía / Mi perro necesita unos oídos nuevos / para que sus ojos vean para siempre / De forma repetida me atan con alambre al mundo / Así es cómo lo sé todo / Soy un cerebro estupendo / Así es cómo me hicieron".

Desnúdame ahora [Tú sabes como...]

Hmmm, esto es precioso. En 2002 la banda británica de trip-hop Morcheeba lanzaba al mercado Charango, un álbum que rompió las listas en todo el mundo. Y con todo el mérito. Los hermanos Paul y Ross Godfrey acompañados por la cálida voz de la cantante Daisy Martey, nos entregaron una serie de canciones que, a diferencia de otros artistas del género, se caracterizan por su atmósfera placentera, llena de felicidad, hedonismo, lujo... y lujuria. Como es el caso de este Undress me now que hoy os presento.

A finales de los 90's ya nos habían deleitado con otros temas estilo romance veraniego [véase The sea], pero fue sin duda con el álbum que hoy nos ocupa con el que sellaron su paso a la posteridad.

Imprescindible.

Amour, Imagination, Rêve

Ese ambiente de comfort, esos arreglos de flauta travesera, la perfecta estructura de la composición, el cálido arpegiado de guitarra, la sensual voz de las chicas... ¡Esto es excelente!

Aunque en principio están clasificados en lo que a finales de los 90's se vino en llamar trip-hop-ambient, A.I.R. huelen, en sus más remotas referencias, al intimismo del malogrado Serge Gainsbourg y a algunos grupos del moog-rock. 

Según su wiki "...está considerada una banda de música electrónica trip-hop. Su sonido se basa en los sintetizadores de artistas de la década de los 70 como Jean Michel Jarre y Vangelis. Otras influencias citan a la banda psicodélica Pink Floyd, los alemanes Tangerine Dream y el músico francés Serge Gainsbourg". Algunos de los temas tienen la fragancia de Island, de King Crimson y, muy especialmente, el mellotron invasivo de I'm not in love de 10 c.c.

Esto es como tener todo el santoral metido en una sola habitación.

Al principio sólo había escuchado el simplón Kelly Watch the Stars y los había tomado por unos imitadores de la E.L.O. En realidad, nos encontramos con una formación con una discografía muy notable.

El tándem formado por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin fabrican canciones que son como el cristal de bohemia. Muy en la línea de otras formaciones con las que comparten época y estilo (Goldfrapp, por ej.) Las composiciones de estos dos artistas no sólo tienen el sello de los buenos compositores, con interesantes variaciones y adornos, sino que te sumergen en una atmósfera de hedonismo, exquisitez y lujuria.

Las siglas AIR significan Amour, Imagination, Rêve (Amor, Imaginación, Sueño), una síntesis perfecta de su música. La banda se formó en 1995 y cuenta con temazos  de mucha calidad. El gravitante  All I Need o este Cherry Blossom Girl son dos obras maestras.

Fun-Da-Mental

Excluyendo a los bakalas y su pútrida música kachumba-pumba-pumba, los años 90's fueron el momento culminante de la música electrónica de calidad. Además venía aderezada muchas veces con elementos étnicos de India, Pakistán y otros países. Fun-Da-Mental fue de los mejores, en especial por su Ja Sha Taan (Transglobal Underground Karachi Deathcult Mix), un remix de otro de los grupos multiétnicos estrella de los años 90's y uno de los favoritos de este blog. 

Es un grupo británico de música de fusión, multiétnica, hip-hop y techno formado en 1991. El grupo se destaca por su fusión energética de formas musicales orientales y occidentales y su descarada postura política. El miembro principal del grupo es Aki "Propa-Gandhi" Nawaz (nombre real Haq Qureshi), quien a pesar de su nombre nació en Yorkshire, Inglaterra.  

Este tema de 1997 es una muestra del poderío de esta banda.

 

Alpinestars & Brian Molko | Carbon Kid

Richard Woolgar y Glyn Thomas tomaron prestado el nombre 'Alpinestars' de una bicicleta de montaña. Ambos se se conocieron en 1995, al estar en bandas que compartían local de ensayo. Con ese nombre tan poco original fabricaron un tema con una gran carga energética. Posiblemente, uno de los mejores trabajos discográficos de la nefasta década de los 00's.

Aunque sus primeros intentos fueron infructuosos, Woolgar y Thomas llamaron la atención del promotor de un club de Manchester. Fueron invitados a crear un conjunto de una hora de duración para tocar en vivo durante una semana. La actuación fue un éxito y Alpinestars firmó contrato con Faith and Hope Records. La banda debutó en agosto de 1999.

En 2001 dejaron Faith and Hope Records y un año después lanzaron su segundo álbum, White Noise con Riverman Records y Astralwerks [en Estados Unidos] Tanto Woolgar como Thomas contribuyeron con su voz para las canciones del álbum. Brian Molko, cantante de Placebo, aportó su voz para Carbon Kid, un poderoso tema de rock electrónico.

Messer für Frau Müller, futurismo sesentero

En los años 60's se estaba esbozando el diseño de lo que sería 'el futuro'. El ser humano aparecía rodeado de glamourosas máquinas que hacían más cómoda su vida cotidiana. Cincuenta años después todos aquellos visionarios futuristas se llevarían las manos a la cabeza sólo de ver las aberraciones tecnológicas actuales y su terrible impacto sobre las libertades individuales y colectivas.

De todos modos la encantadora visión del futuro en los años 60's se ha trasladado en décadas posteriores a través de la obra de muchos artistas. Tal es el caso de Messer für Frau Müller, una banda de música electrónica experimental, fundada en San Petersburgo por Oleg Kostrow. Su álbum "Second Hand Dreams" (2001) contiene este fantástico Best Girl from USSR, demostración de glamour sesentero plagado de ensueños teconológicos. [ VER ] "Lo que no está de moda".: MESSER FÜR FRAU MULLER. El video es genial y la música, buenísima:

Asian Dub Foundation: la mejor banda del sigo XXI

Referirse a Asian Dub Foundation [ADF] es hablar de la única banda de los últimos 25 años que ha sido capaz de renovar el mensaje del rock con un lenguaje original y genuino. La tremenda mescolanza de reagge, rock, música hindú, electrónica, disco-music y hiphop les convierte en el producto más impactante de la música pop del siglo XXI. Por supuesto yo soy un fan incondicional de este grupo londinense que se ha ganado, a mi parecer, un lugar de privilegio junto a The Beatles, Rolling Stones, The Doors y otras bandas icónicas de tiempos pasados. 

Tiene mucho mérito, más si tenemos en cuenta que el número de bandas "alternativas" que han sido capaces de ofrecer una música mínimamente original desde principios de siglo ha sido de... aproximadamente CERO. Todos sabemos como empezó este siglo. Fue una explosión de Bustamantes, Bisbales y subnormales, así que encontrarse con ADF fue todo un consuelo. 

Como relaté en un post anterior, mi encuentro con esta banda fue en 1998, con dos canciones del álbum Rafi's Revenge, con el que certificaban ser un grupo a tener muy en cuenta. Llegado el milenio continuó la buena música: Conscious Party [1998] Community Music [1999-2000] y Enemy of the Enemy [2003] les elevaron en el Olimpo de los Dioses. En esa época, ante la avalancha de Bustamantes, Bisbales y subnormales, la música de ADF cubrió el vacío de forma suficiente. Temas de esa época continúan sonando en mi reproductor cada día sin llegar al aburrimiento. Y siguen en activo. Este pasado 2015 sacaron otro gran álbum, More Signal More Noise 

La banda se formó en un taller para músicos asiáticos del Ayuntamiento de Londres, llamada Community Music, Creo que leí por ahí que el origen de estos músicos es Bangla-Desh. Los miembros clásicos del combo son Dr. Das, Deeder Zaman, DJ Pandit G, Chandrasonic y Sun-J. 

Entre los innumerables temas geniales de esta banda se encuentra el alucinante Rebel Warrior y el no menos brillante Collective Mode. Una obra maestra.

 

Niyaz

Al principio parece música iraní auténtica. Pero en realidad se trata de un producto made in USA con una hermosa etiqueta: Worldbeat. Niyaz es un combo de música étnica y electrónica capaz de venderle armonías de aire sufí al público occidental. Y la verdad es que consiguen su objetivo con creces. 

El grupo fue creado en 2004 por el DJ Carmen Rizzo, especialista en dulcémele, un instrumento de cuerda que además lo es de percusión. Es un antecesor del piano, aunque no posee teclas, y tiene su origen en Oriente Próximo, probablemente en el santur persa. En España fue muy utilizado en el siglo XII. 

Rizzo contaba con la colaboración de la hermosa cantante de origen iraní Azam Alí. Nacida en Teherán en 1970, Ali pasó la mayor parte de su infancia en Panchgani, India. Ella y su madre se trasladaron a Los Ángeles, California, en 1985, donde descubrió el santur persa. En Los Angeles, por cierto hay una considerable comunidad iraní establecida desde hace muchos años. 

Al grupo se unió el marido de Ali, Loga Ramin Torkian, quien toca varios instrumentos, entre ellos el alquitrán de Azerbaiyán, el saz turco y el guitarviol, una guitarra de su invención que se toca con un arco, adaptación de un instrumento del siglo XIV. Torkian participó anteriormente en la banda Axiom of Choice, y sacó varios álbumes entre 1996 y 2002. 

La música de Niyaz viene envuelta en un remolino místico con un toque moderno. Es una mezcla de sufi y trance. Adapta los sonidos populares del Golfo Pérsico, India y el Mediterráneo en una afortunada mescolanza. Poesía sufi y aire espiritual rumi, con instrumentación electrónica occidental.

Del álbum The Fourth Light Nıyaz ofrece una nueva interpretación de la canción tradicional afgana con poesía adicional y música original compuesta por Azam Ali y Loga R.Torkian. El videoclip de Sabza Ba Naz (The Triumph of Love) fue elaborado en Montreal y producido por el artista visual Jérôme Delapierre en 2015. Un trabajo musical y audiovisual notable.

 

Aufheben

Los amigos de Brian Jonestown Massacre no paran de sorprenderme conforme voy conociendo sus álbumes. Es difícil encontrar hoy en día artistas capaces de llenar un disco de larga duración con un mínimo de intensidad y buen gusto. El señor Anton Newcombe vive tensionado entre obsesiones tan dispares como Joy Division y los Stones de la época de Decca, fusionadas con elementos dispares. Y la verdad es que consigue un producto notable. Es de agradecer que, en un mundo dominado por la vulgaridad anti-intelectual del hip-hop-flamenquillo-bolerillo-latino-lailolailo, interpretado por heméticos chonis paticortos, todavía existan bandas como BJM. El buen gusto es un lujo que vamos a tener que comenzar a valorar.

El álbum que hoy os presento es una auténtica maravilla, llena de espiritualidad, suntuosidad, exotismo y neopsicodelia de última generación. Se abre con el sensacional Panic in Babylon, un tema que se ha convertido en el nº 1 de mi hit parade particular en las últimas semanas. Esta magnífica obra fue lanzada en el propio sello del líder de la banda, Anton Newcombe, en mayo de 2012. Es el duodécimo álbum de estudio de The Brian Jonestown Massacre. Estuvo disponible en streaming gratuito antes de su lanzamiento y fue grabado en Berlín Oriental en los locales de Anton Newcombe, Studio East. 

El título del álbum Aufheben tiene varios significados en alemán. Significa "levantar", "abolir" o "preservar". Hegel utilizó dicha definición para explicar lo que sucede cuando Tesis y Antítesis interactúan.

Un trabajo para disfrutar.

Transglobal Underground | Psychic Karaoke

Transglobal Underground [TGU] es un colectivo de música de Londres que vio la luz a mediados de los 90's. Se especializaron en lo que se vino en llamar fusión, mestizaje, batiburrillo étnico, etc, etc, pero consiguieron un producto ciertamente brillante. Los sonidos occidentales, asiáticos y africanos se mezclan con el rock, el hiphop, la electrónica, el surf, el reage y todo lo que queráis. 

TGU ha contado entre sus filas con un sinfín de integrantes, pero el núcleo duro lo forman Tim Whelan [teclados, guitarra, flauta, melódica, sintetizadores, voz) y Hamilton Lee (percusión, batería, teclados, sintetizadores) La cantante belga Natasha Atlas les acompañó hasta 1996, encumbrando con su voz la excelente música de este combo británico. Con ella sacaron el que quizás es su mejor trabajo discográfico, que lleva por título Psychic Karaoke.

Si querían alcanzar la cima del exotismo lo consiguieron al 100%. Es una auténtica joya:

Layo & Bushwacka | Sleepy Language

Los compases finales de los años 90's fueron una era de verdadera creatividad en la música electrónica. Frente a la vulgaridad del katachumpa-chumpa y el bakalao, se alzaban verdaderos artistas que construían con sus máquinas paisajes mecánicos de psicodelia-funk. El breakbeat fue uno de los estilos más sugestivos. Proporcionó no pocos minutos de satisfacción, sobre todo a mi.

Layo y Bushwacka era el seudónimo usado por los DJ's Layo Paskin y Matthew Benjamin. Paskin había sido co-propietario del The End Nightclub de Londres, mítico club de house donde se desarrollaron estilos como el tech house y, por supuesto el breakbeat. En 1998 lanzaron su primer trabajo [Low Life], que contenía este Sleepy Language. Estoy hablando de una maravilla del breakbeat, un paisaje hipnótico a ritmo funk, una odisea lisérgica larvada con tabla hindú, 5:43 minutos de un placer infinito. Es una poderosa demostración de la música electrónica de calidad que se hizo a finales del siglo XX:

   

Filter | Trip Like I Do

Vamos hoy con un [para mi] grato recuerdo de los años 90's. En plena efervescencia de la música grunge surgió Filter, una furiosa, rasposa y enloquecida banda de Cleveland, Ohio, Estados Unidos. Corría el año 1993. Wikipedia los califica como metal industrial, pero la cosa no deja de ser una fusión de rock duro, electrónica y, como no, grunge. El ex guitarrista de Nine Inch Nails, Richard Patrick se encargó de liderar la banda desde sus inicios. Los momentos más felices llegaron en 1995 con el álbum Short Bus. Se trata de una explosión de energía no exenta de creatividad y momentos brillantes. Prueba de ello es Trip Like a Do. La escena del video promocional es loca y desquiciada, por lo que se hace recomendable tomarsélo como una metáfora de la neurosis diaria.  Desgraciada o afortunadamente el arte no está reñido con todo tipo de alucinajes.

Sus siguientes álbumes [Title of Record -1999 y The Amalgamut-2002] son también muy recomendables. No he escuchado su disco de 2010, pero al parecer han derivado hacia un estilo metal más convencional. La banda se mantiene hasta nuestros días, formada exclusivamente por Patrick y una trouppe de músicos mercenarios. Video:

Public Image Limited | Rise

Public Image Ltd. es una banda británica fundada por John Lydon en 1978, tras la disolución de los Sex Pistols. Le acompañaban originalmente el exguitarrista de The Clash, Keith Levene, el bajista Jah Wobble y el batería Jim Walker. 

Tras el éxito de This is not a love song en 1983, P.I.L. lanzó al mercado Rise, su segundo single de éxito. Fue publicada el 21 de enero de 1986 como promoción de su quinto álbum de estudio. Según declaró John en el reciente festival de Glastonbury, escribió esta canción dedicada al entonces encarcelado, y recientemente fallecido, Nelson Mandela. Fue uno de los mayores éxitos comerciales del grupo, alcanzando el puesto nº 11 en la lista de singles del Reino Unido. La canción contiene  una vieja bendición irlandesa: May The Road Rise With You [Que el camino se alce contigo - algo así como "Qué la fuerza te acompañe"] A decir verdad, la traducción de la letra no presenta ningún indicio de que sea una crítica al Apartheid. Con el morro que le caracteriza, Lydon se lo ha sacado de la manga.

John Lydon es uno de los personajes más curiosos del mundillo del rock. Cuando apareció en 1976 en la prensa musical parecía un soberano gilipollas. Luego vino lo de la barcaza bajando por el Támesis y sus despidos disciplinarios de las discográficas. Se intuía que había algo detrás de aquel gilipollas. La existencia del punk fue difícil de aceptar, y asimilar que este tío era un ser humano todavía más.

 

Mushroom Jazz

Mushroom Jazz es una recopilación de distintos artistas musicales, compilada por el DJ Mark Farina. Hipnótico y alucinante Acid Jazz a toneladas para fanáticos del género, como es mi caso. 

El primer volumen se editó en 1992 en cinta de casete. A partir de 1997 se comercializó en CD y vinilos. Farina usaba una nueva fórmula mágica llamada "acid-jazz", un afortunado refrito de jazz, ambiente house, sonidos latinos y ritmo hip-hop en proporciones idóneas. Una fórmula de la que surge un plato muy jugoso. 

Las cintas de casete Mushroom Jazz vendieron tan sólo 50 ejemplares en Chicago en su primera etapa. Poco a poco las ventas se incrementaron hasta 500 ejemplares. Las copias de los varios volúmenes se distribuyeron fácilmente. A medida que el acid jazz tomó auge, perfeccionó su sonido y se fusionó con estilos procedentes de la Costa Oeste, la fiebre iba en aumento. En San Francisco triunfó el movimiento downtempo, mientras los DJ's eran cada vez más solicitados. Mark Farina y Patty Ryan-Smith crearon el ya mítico Mushroom Jazz Club Night en San Francisco en 1992. Cada lunes por la noche se reunían unos 100 tipos para escuchar y bailar el nuevo sonido. En unos pocos meses el club ya congregaba 600-700 personas. Farina y Patty se concentraron en otro proyecto: el primer CD de jazz interactivo. Tres años después el Mushroom Jazz se había convertido en un club de culto. 

Mushroom Jazz 7 , el último volumen de la serie, fue publicado el 9 de noviembre de 2010. 

Los siete discos que conforman la recopilación contienen una gran variedad de artistas. Yo no los he escuchado todos, desgraciadamente, pero de lo que hay disponible en Youtube sirva como muestra este Funkin' Koobad de Jazzual Suspects. Pecata Minuta! 
 

La gran estocada

Unos meses después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, el músico alemán Stockhausen generó una agria polémica después de estas declaraciones:

"Bien, lo ocurrido es, por supuesto —deben entender correctamente esto— la más grande obra de arte jamás hecha. El hecho que los espíritus han realizado con un único acto es algo con lo que en música nunca podremos soñar. Esa gente practicó diez años duramente, fanáticamente, para un concierto. Y entonces murieron. Y eso es la más grande obra de arte que existe en todo el cosmos. Ahora imagine que eso ha ocurrido aquí. Hay gente quienes están tan concentrados en esta única actuación, y entonces cinco mil personas son conducidas a la resurrección. En un momento. Yo no puedo realizar eso. Comparado con eso, no somos nada, como compositores [...] Esto es un crimen, por supuesto que lo sabéis, porque la gente no lo había acordado. Ellos no venían a este concierto. Esto es obvio. Y nadie les había dicho: 'tu puedes ser asesinado en el proceso' ".

A pesar de que Karlheinz Stockhausen pidió que se entendiera lo que estaba diciendo, sus declaraciones tuvieron una inmediata repercusión negativa. Nadie que esté en sus cabales puede englobar la destrucción y la muerte dentro del generoso concepto del 'arte". Stockhausen se refería a que el refinamiento, la preparación previa y la perfecta ejecutoria, en una sola e irrepetible performance de alcance global, con muerte del "artista" incluida, suponían el pináculo de la creatividad artística, sin que por ello fuera un hecho admirable, al tratarse de un crimen. Naturalmente, le llovieron críticas desde los cuatro puntos cardinales después de tan singular punto de vista. Un singular punto de vista que, no obstante, en España tenemos que aceptar como verdad indiscutible, por parte de una logia taurópata que goza de no pocos palmeros mediáticos.

A pesar de que el músico alemán estaba tan sólo dando una visión distinta de lo que se podría considerar un "acto creativo", las críticas que le llovieron fueron en gran parte justificadas porque es inadmisible e inmoral que el crimen se pueda convertir en "arte". El arte se basa en un sentimiento constructivo, creativo. Tiene una tendencia positivista, pues tiende a crear. El artista crea un cuadro, una partitura. El artista, genera vida, información, objetos, perspectivas. En ningún caso es aceptable el arte de la destrucción. La muerte y el crimen, por más "creatividad" que encierren, suponen la antítesis del arte. De otra forma, tendríamos que aceptar que la tortura, las snuff-movies, los atentados terroristas, las corridas de toros, los videos pedófilos, los atracos con butrón y otro sinfín de actos deleznables fueran considerados arte.

El fisionaó taurino es asín. Aloja dentro de su mente esa abominable concepción del "arte". La imagen del toro vomitando sangre le es completamente indiferente. Pasa por alto de forma total y absoluta la inmunda carnicería que está presenciando. Sus ansias de "placer estético" tienen un rango moral más alto que el dolor de un ser vivo. Prepotente hasta la bilis, se siente por encima de la creación, más allá del bien y del mal. El despojo que arrastran por la arena al final de la performance lo destierra de forma psicótica de su mente enferma. Es como si los terroristas que urdieron los atentados hubiesen celebrado la certera estocada de los aviones, centrándose en sus aspectos técnicos y "artísticos", sin deplorar en ningún momento el dolor y el sufrimiento de las casi tres mil personas que murieron. Eran personas, no toros, pero la analogía psicótica es calcada.

Esta es, en esencia, la lógica de la taurom... Se trata de un espectáculo de destrucción, tortura y muerte y encima nos lo quieren colar como "arte" y "cultura". Y en lugar de provocar el rechazo de la autoridades civiles y militares, recibe avales para seguir perpetrando sus atentados terroristas. Esto es España, recordemos, un país impresentable en el que todo aquello que moralmente es inaceptable para el resto de la humanidad, aquí recibe el elogio de politicastros, artistas de varietés y famosillos de toda ralea.

Sexodelia

En el año 2008 el virus SH765HT2 y yo descubrimos lo rentable que resulta subir gilipolleces a Youtube con las palabras, fuck, orgasm, sex o cualquier derivado de ello. Hicimos una horterada de video con música del organista de la catedral de Venecia cuyo escueto título fue Orgasmo.

Desgraciadamente, los mormones de Oklahoma nos boicotearon clickando la banderita de contenido inapropiado. Rules rules rules. El 4 de noviembre de 2008 Youtube se cargó Orgasmo, después de más de 9 meses on line y con más de 100.000 visitas.
 

Una encuesta realizada entre los lectores de este blog encontró muy exagerada esa decisión. El 81% opinaba que el vídeo orgásmico calentaba menos que un paquete de acelgas congeladas. Un 12% opinaba que lo suprimieron por haberlo titulado Orgasmo. Un 5% opinaba que debería haber sido censurado mucho antes. Un 2% opinaba que estábamos enfermos.

El éxito del video orgásmico infló el SuperEgo del virus SH, así que me propuse contratacar con un supervideo cargado de erotismo hortera, y a la vez  refinado. Para la filmación conté con la colaboración de Cameron Díaz, Marilyn Monroe, Angelina Jolie, Rita Hayworth y un gran surtido de actrices porno. El video básicamente es un producto erótico que no puede calificarse siquiera de pornográfico. Aún así,  el 19 de septiembre de 2008 fue censurado por contenido explícito. En abril de 2011, Blogger también se cargó este vídeo pseudoerótico.

Esta obra maestra fue titulada Sex & Fuck como crítica a un post titulado "Sexo y Follar" de una bloguera que se dedicaba a calentar cremalleras en internet que me caía muy gorda. La banda sonora es lo mejor. Ambient-trance-breakbeat a cargo de Kruder & Dorfmeister, una sugerente sesión de hipnosis llamada Original bedroom rockers. Una banda sonora cargada de sensualidad y psicodelia futurista:

The Album Leaf - On A Plain

"Se ríen de mi porque soy diferente;

yo me río de ellos porque son todos iguales."

KURT COBAIN + 5/4/1994

Hace 19 años fallecía en Seattle, en lo que se denominó "un suicidio", un genial músico de rock llamado Kurt Cobain. Sus canciones tienen algo especial, a pesar de su simplicidad. "On a Plain" es una de tantas, un tema especial que se encuentra entre las 500 mejores canciones de la historia de la música pop. Es la pista undécima de "Nevermind" [1991], el célebre álbum de la banda estadounidense Nirvana.
 

En octubre de 2011, con motivo del 20º aniversario del lanzamiento de "Nevermind" se editó "Come As You Are: A 20th Anniversary Tribute To Nirvana's Nevermind", producido por Jim Sampas. Se trata del típico disco homenaje de versiones donde diferentes artistas interpretan temas en homenaje a alguna figura de prestigio. Contiene una estupenda versión de "On a plain". Va a cargo de The Álbum Leaf, proyecto en solitario iniciado en San Diego en 1998 por el músico californiano Jimmy Lavalle. Él es conocido por su uso del sintetizador y el piano de Rodas. Sus actuaciones a menudo cuentan con proyecciones arte visual.

Versiones se han hecho y se harán hasta el agotamiento. Esta es una que no está nada mal:

Charlotte Gainsbourg - Time of the Assassins

Uno no tiene tiempo de seguir la vida de todos los famosillos porque sería el no acabar. Hay demasiados, y la vida de muchos de ellos es tan interesante como la caída de un guisante por un tobogán. Si uno siguiera detenidamente la vida de los famosillos acabaría viviendo la vida de ellos en lugar de la suya propia, y eso no puede ser. Pero a veces, por culpa de ese desapego a la vida famosil, se le escapan a uno acontecimientos trascendentales. Como por ejemplo, que Jane Birkin y Serge Gainsbourg tuvieron una hija. Eso ocurrió hace 41 años, pero yo me acabo de enterar ahora mismo. Actualmente la chica recorre el mundo de la música con el nombre de Charlotte Gainsbourg. Y Como podremos ver en el siguiente video, la muchacha ha heredado la fina belleza de su madre y la voz cascá de su padre.

Para resumir un poco, Charlotte se ha distinguido sobre todo por su carrera cinematográfica. Desde que era muy joven ha participado como actriz en un porrao de películas de las que afortunadamente o desafortunadamente no he visto ninguna. Musicalmente hablando, su carrera comenzó en 1984 cantando una polémica canción con el viciosillo de su padre, llamada "Lemon Incest". Pero no fue hasta el año 2000 que se dedicó a la música regularmente. Su estilo es el que cabe esperar en la generación de los 70. Música electrónica y Triphop melancólico en plan hoy no tengo nada que hacer, me voy a cortar las venas. No es que esté mal, pero tampoco hay que abusar.

Charlotte ha contado con la colaboración del sempiterno e inefable Étienne Daho, ha sido producida por Beck y cuenta con el apoyo de los maravillosos Air. Este "Time of Assassins" huele a Air por todos los lados.

Jesulin de Nazaret, el rapero que mola

Entre todos los showmans que hay en Internet hay uno que rompe todos los moldes. Es un tipo realmente camaleónico. Cuando va disfrazado de pijo usa el nombre Javier Franco. Cuando es heavy es Bon Javi. Cuando es rapero se materializa en Mc Revolver. Cuando es cani, usa su perfil de Tuenti Su_morenito_19. Cuando va de madridista es Antonio di Mario. Cuando va de mago experto es Zorman. Cuando va de DJ superchanante se llama SuperPepeXtreme. Y cuando va de gótico es Señor Terror. Incluso con las tomas falsas de sus videos consigue que me parta el pecho. 

Detrás de todo este brillantísimo show hay un chaval sevillano de 24 años, según he podido leer en una entrevista, licenciado superior de informática en paro. Según sus propias palabras, su canal de Youtube obtuvo como 5 millones de visitas a mediados del año pasado. El tipo asegura que los canis no han intentado partirle la jeta por sus afrentas. También dice que ha conseguido buenos ingresos en publicidad con sus paridas en internet. Por añadidura, las letras y la música son enteramente suyas. Los temas son pegadizos, tanto si se trata de música gótica, hip-hop, pop o música máquina. En uno de los videos se puede ver que este crack es además un excelente guitarrista. 

Pero si hay algo en lo que realmente destaca es con su video "Jesucristo, el robot del futuro". Un homenaje sin igual a uno de los inventos de marketing más fabulosos de la Historia. Todos sabéis lo mucho que me fascina la historia de como se sacaron de la manga al inexistente Jesucristo. Por suerte, veo que hay gente que me comprende. Atención con la parte final del video, cuando Cristo comienza a rapear. Ajá.