El gran concierto de Hackett en Islandia [2015]

Llevo un tiempo observando vídeos de Steve Hackett en Youtube y no salgo de mi asombro. Este hombre, aparte de ser el conservador de algunos temas de Genesis anteriores a 1977, es además un gran compositor y un guitarrista excepcional. 

Es mucho mejor que Jimmy Hendrix y también mucho mejor que Jimmy Page, Larry Coryel o Eric Clapton.

Hackett se aleja de las posturas típicas del guitar-hero pero es dueño de una técnica excepcional. Es capaz de lo más complicado y de lo más sencillo. Sabe destacar en primer plano o subordinarse al sonido conjunto.

Tanto en sus discos con Genesis como en su legado en solitario es capaz de sorprender con temas que sobrepasan mil leguas cualquier canción de pop.

Cuando era joven, sus ídolos no eran Chuck Berry o los Beatles, sino Johan Sebastian Bach y un tenor italiano cuyo nombre ahora no recuerdo. Más que inspirarse en guitarristas de rock, Hackett tuvo como guía a Andrés Segovia, cosa que queda patente en esta serie de vídeos. Más de una vez ha declarado su admiración por el maestro español.

Hackett ha cumplido hace poco 70 años, pero está fresco como una lechuga. Durante diez años ha estado ofreciendo conciertos acompañado por un grupo de músicos muy competente. Muchas de esas actuaciones están en Youtube. 

Hackett tenía prevista una gira mundial para este 2020, pero me imagino que la habrá suspendido.

Este vídeo que adjunto corresponde a un concierto de Hackett en Islandia, acompañado del grupo de rock progresivo Todmobile y la North Iceland Symphony Orchestra. El evento fue en Reykjavik en 2015.

Si a la belleza natural de la música del exGenesis le añadimos un acompañamiento orquestal mesurado y en su punto y la torrencial y poderosa voz del cantante de Todmobile, el islandés Eyþór Ingi Gunnlaugsson, el plato acaba siendo digno de gourmets.

 

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Atardecer

Genesis siempre fue una banda que causó un gran rechazo entre muchos seguidores de la música rock. Incluso hoy en día te puedes encontrar furiosos detractores de su música. Es lógico, porque no respetaban un estilo convencional, a pesar de contar con no pocos fans. Se la consideraba snob, elitista, desafecta al rock, demasiado intrincada y sofisticada, cosa de progres refinados, aburguesados y pretenciosos; una especie de hipsters de hace 40 años. Entiendo el odio que ello genera, pero, en justicia, este grupo lanzó al mercado música de una altísima calidad.

En octubre de 1970 lanzaron al mercado Trespass ["Intrusión"] Con este disco, la banda liderada por Peter Gabriel se desmarcaba del ambiente excesivamente floreado de su primer disco, From Genesis to Revelation. Quedaba claro que los tiempos habían cambiado. Atrás quedaban los alegres cánticos y la felicidad de los años 60's. El rock progresivo portaba en su seno depresión y desesperanza, fruto del inicio de una década que estaría marcada por la palabra CRISIS.

Trespass contiene temas muy valorables como Visions of Angels, Looking for Someone o el provocativo The Knife, pero curiosamente se destaca por Dusk, un "sobrante" de su primer disco, aunque con significativos cambios con la versión anterior.

Yo escuché por primera vez esta canción hace muuuuuuuuuuchos años. Y hoy en día me sigue pareciendo una obra de arte. 

Nosferatu, Phantom der Nacht: terror sedante

Nosferatu: Phantom der Nacht es una de las representaciones más vívidas del mito del vampiro. Sin duda alguna, la más convincente de todas. Es una película del director alemán Werner Herzog, protagonizada por Klaus Kinski y la hermosísima Isabelle Adjani. Básicamente sigue el hilo conductor de la novela de Bram Stoker, Drácula. Sólo varía en algunos nombres propios y localizaciones porque, según dicen, Herzog temía demandas de los herederos del autor irlandés. Algo completamente absurdo. En 1979, cuando se estrenó el film, los derechos de autor de la novela habían expirado.

La película se plantea como un homenaje al clásico del cine mudo Nosferatu, eine Symphonie des Grauens [1922], de F.W. Murnau. Herzog consideraba este film como una de las obras más grandes del cine alemán.

El Drácula que se muestra en los 107 minutos de duración se adapta con total realismo al clásico vampiro transilvano. Es un espectro aristócrata que lleva cientos de años entre la vida y la muerte. Su castillo no destaca por un ambiente de lujo y esplendor. Al contrario: la herrumbre, la molicie y los cascotes lo inundan todo. El personaje, magistralmente interpretado por Klaus Kinski, duerme en una cripta ruinosa, bajo una losa de piedra. Tan sólo la visión de una mujer hermosa le hace olvidar la luz del alba. 

Un detalle a destacar es el azul incendiado que inunda el ambiente. Es una atmósfera de terror sedante que está presente en casi todas las escenas. A este clima de relax contribuye en gran manera la banda sonora compuesta por el grupo alemán Popol Vuh. 

Mantén tus dedos fuera de mi ojo

En 1974, la banda británica Genesis, liderada por Peter Gabriel, sacó al mercado The Lamb lies down on Broadway, una obra conceptual que plasma la complejidad de los años 70's, una década plagada de turbulencias y desengaños. Hoy en día, los programas revival de TV tienden a presentar los 70's como una era donde sólo existían Dona Summer, Boney M, Aquarius y Raffaela Carrá. La década ha quedado reducida a las lentejuelas de ABBA, los zapatos de plataforma del glamm y la brillantina de Travolta. Nada más lejos de la realidad.

La música underground, la que escuchaba el público enrrollado, vendía millones de discos. Aqualung (Jethro Tull), Dark side of the Moon (Pink Floyd) o éste mismo disco vendieron millones de copias. Es todo un misterio saber por qué los revivals de TV siempre ponen mayor énfasis en resaltar lo más chabacano de la cultura popular y dejan al margen el verdadero arte. Más, cuando éste también tenía un público, y no precisamente minoritario.

Durante la recta final de los 70's y gran parte de los 80's hablar de Genesis era suficiente para que te lapidaran. Incluso hoy en día sigue suscitando desconfianza entre los puristas del rock. Pero es justamente hoy en día, bajo el imperio de una banalidad brutal, cuando la música de esta banda resurge de sus cenizas. 

Las buenas obras de arte se convierten en Mito por propia inercia.

El rock sinfónico se apartaba de los standars del rock'n'roll tradicional y aparentaba de forma pretenciosa la respetabilidad de la música clásica. Esa fue la acusación que condenó al limbo a dicho género durante años. Pero los fenómenos se han de analizar en la distancia, evitando juicios apresurados. Por eso este disco adquiere con el tiempo el rango de obra cumbre de la música contemporánea. Con posterioridad.no se ha vuelto a hacer nada igual... ni mejor.

Es dificil saber de que va la historia narrada en The lamb..., obra de una suerte de hipsters de los 70's que practicaban un lenguaje pseudointelectual plagado de referencias ignotas al surrealismo, en un ambiente de decadencia del pop-art... Resulta arduo adentrarse en la psicología de un mundo golpeado por la crisis del petróleo, el terrorismo de todo signo, el clímax de la guerra fría; un mundo supercontaminado que aún no era consciente del caos que produciría el agotamiento del modelo industrial, sumido en una etapa de confusión, en un tránsito doloroso entre los floreados 60's y la frivolidad de los 80's. Una sociedad temerosa de que 1984 fuera lo que Orwell vaticinó. O que los peores presagios del Mundo Feliz de Huxley fueran el único futuro cierto. Eso eran los años 70's, y no las bolas estroboscópicas de Saturday Night Fever.

La historia que narra The Lamb Lies Down On Broadway no es apta para el gusto actual. O singusto actual, según se vea. Es un relato enrevesado, con múltiples escenarios y situaciones. Rael, un inmigrante puertorriqueño, va en busca de su identidad por las calles de Nueva York. De forma inadvertida, se ve inmerso en un extraño periplo mientras trata de rescatar a su hermano, John. En esa particular odisea sufrirá una serie de transformaciones que lo ayudarán a trascender la experiencia terrenal y resurgir como un nuevo ser, llegando a experimentar una transformación kafkiana en un submundo sórdido y grotesco. Convertido en gusano, experimentará sensaciones como nunca jamás se hubiera imaginado. Es una historia críptica, inspirada en la película El Topo [1970], de Alejandro Jodorowsky. En todo caso, un discurso muy propio de los años 70's, un tiempo en el que los delirios de la imaginación absurda tenían mayor aceptación que en el tiempo actual.

 

El rock sinfónico era un fenómeno fundamentalmente británico. La cultura del Imperio daba sus últimos coletazos antes de sucumbir en un mar de tecno-pop. Es un estilo que tiende puentes hacia el tenebrismo victoriano del siglo XIX. Los propios Genesis grababan en un sello discográfico que utilizaba imágenes del ilustrador de Alicia en el País de las Maravillas, John Tenniel. El caballero con sombrero de copa que sale en todas las carátulas del sello The Famous Charisma Label es el sombrerero loco de la obra de Lewis Carroll. Incluso existe un paralelismo entre el periplo-odisea de Alicia en el País de las Maravillas y el de Rael en Nueva York. 

Las referencias en internet sobre ésta obra maestra son incontables. En español existen algunas webs notables que rinden homenaje a The Lamb Lies Down On Broadway. Incluso hay páginas donde se votan "los mejores temas" de un grupo (Genesis, con Peter Gabriel como vocalista) que desapareció en 1975.

Con la aparición del punk y la new wave el rock sinfónico firmó su acta de defunción. Durante los años 80's, no había nada en el mundo que estuviera menos de moda. Sin embargo, el arte de calidad se convierte en Mito por propia inercia. Tanto es así que desde hace años Genesis tienen un clon en escena. El grupo canadiense The Musical Box se dedica a reproducir con total exactitud el show de la gira de Genesis en 1975. Es un espectáculo increíble donde todos los detalles han sido estudiados con meticulosidad. Los músicos son excelentes y tocan los temas exactamente igual que las pistas de estudio. La puesta en escena, coreografía, instrumentos, disfraces, vestuario, luces, diapositivas... todo es calcado. El vocalista no sólo canta con un timbre de voz parecido al de Gabriel, sino que guarda un extraordinario parecido con él.

Veremos si dentro de 40 años alguien se toma tantas molestias con las estrellitas del pop actual.

Música:

Roger Dean denuncia a James Cameron por plagio en Avatar

Roger Dean es un diseñador gráfico que en sus tiempos fue muy famoso. Diseñó portadas de discos para Yes y Osibisa, entre otros.

Su imaginación no tenía límites a la hora de plasmar las fantasías esotéricas del rock sinfónico de los años 70's.

Actualmente se dedica también a diseñar segundas residencias:

Es el Penthouse en el bosque que todos desearíamos tener...

A destacar la flipante visión de las nubes situadas bajo el ventanuco de una habitación con cama redonda. Roger ha bautizado la casa como WilloWater, una especie de cueva mimetizada en medio del musgo.

Ya hace tiempo que planteamos en este blog que Roger Dean debía denunciar a James Cameron por plagio en Avatar. Los que éramos fans de este autor desde hace más de 40 años nos preguntábamos por qué Dean no se decidía a emprender acciones legales contra esa película. La copia era tan descarada, que los que recordábamos sus portadas de discos nos llevábamos las manos a la cabeza. El post que escribí en 2010 era una indignada pataleta contra una usurpación de ideas descaradísima.

Hoy he leído que al final Roger Dean se decidió en 2013 a poner una denuncia contra James Cameron. Desgraciadamente, una vez más, la mafia de Hollywood llevó la batalla a su terreno. Abogados corporativos y un montón de dinero sobre la mesa decidieron el match. La demanda de Dean fue tumbada por un tribunal de los EEUU en septiembre de 2014.

Cuando hablamos de la mafia en cuestión, nos estamos refiriendo a un poderoso lobby. He tardado mucho tiempo en comprender el juego que siguen, pero, en esencia, la pretensión de esta gentuza no se basa sólo en garantizar los derechos de taquilla de sus truños cinematográficos. Lo que pretenden, realmente, en una estrategia dibujada a corto y medio plazo, es apropiarse de las ideas ajenas, es decir, PRIVATIZARLAS. Estos sinverguenzas ya no se conforman con tener bajo su control todos los sectores estratégicos pertenecientes a la sociedad. Quieren ir más allá. Acabarán privatizando el aire, los sueños eróticos, y hasta tu propio cerebro será de su propiedad. Es sólo cuestión de tiempo que TÚ mismo pases a ser parte de sus balances contables. 

Ay no, que ya lo eres.

Etiquetas: 70's, arquitectura, arte psicodélico, diseño, plagio, rock sinfónico, Roger Dean

Renaissance

Renaissance fue una banda fundada en enero de 1969, por los exmiembros de The Yardbirds Keith Relf y Jim McCarty. A ella se uniría también la hermana de Relf, Jane, como vocalista. Su primer álbum homónimo fue lanzado por Elektra en EEUU y Island en el Reino Unido. El grupo practicaba un estilo donde se mezclaban el folk, la música clásica, el jazz y el rock. Resumiendo: rock progresivo. 

Después de fracasar de forma estrepitosa con sus dos primeros álbumes, en enero de 1971 la cantante Annie Haslam sustituyó a Jane Relf. Fue una buena incorporación, porque Haslam tenía una voz preciosa. Por esa misma época, fueron cayendo uno tras otro los miembros originales de la banda. Finalmente quedó formada por Annie Haslam [voz], Jon Camp [bajo-coros], Michael Dunford [guitarras], John Tout [teclados] y Terence Sullivan [percusiones] Esta sería una de las formaciones más estables de una banda por la que llegaron a pasar una treintena de miembros. 

Transcurrirían varios años antes de que ganaran algo de celebridad y ventas. En 1978 publicaron Song For All Seasons, un album que contiene este magnífico Northern Lights. Es el séptimo corte del álbum y llegó al nº 10 de las listas del Reino Unido, siendo quizás uno de sus pocos éxitos. No obstante no estaban los tiempos, a finales de los 70's, para florituras sinfónicas y progresivas. La banda editaría en 1979 Azure d'Or, disco que fue un absoluto fracaso. En los años 80's sobrevivieron subiéndose al carro del A.O.R., como tantos otros dinosaurios del heavy y el progresivo de los 70's, en medio de los inevitables cambios de formación. Finalmente, Renaissance se disolvieron en el año 2009. 

Magnífica portada de su álbum de 1977

Entre otros temas memorables de esta banda cabe citar Ocean Gipsy, Song of Scheherazade, Ashes Are Burning y Mother Russia, tema dedicado a Aleksandr Solzhenitsyn, por dedicárselo a alguien.

Aphrodite's Child | The grass is no green

El grupo psicodélico griego Aphrodite's Child estaba formado por Vangelis y su primo Demis Roussos. Ni más ni menos. La historia de esta banda es fácil de escribir. En 1968, Vangelis era la única persona en Grecia que tenía un sintetizador, lo que, obviamente aprovechó para iniciar una larga y muy provechosa carrera musical. Posteriormente (años 80) se hizo internacionalmente famoso como compositor de bandas sonoras para películas como Blade Runner y Carros de fuego. Su primo Demis corrió peor suerte: una vez disuelto el grupo, inició carrera como solista de música ligera, dando la paliza con una canción llamada "Triki Triki" (que los degenerados de la época interpretaban como eso: "triki-triki-triki", decia la original letra...)   

La amiga Madamparanecia's dedicó un fabuloso post hace un tiempo al primer disco del grupo, "The End of the world". La verdad es que lo único que había escuchado de ellos era un recopilatorio donde había dos o tres temas de este disco. El resto del contenido era de su álbum posterior "666" (1969), basado si no recuerdo mal, en el Apocalipsis según San Juan. El tema que sirve de banda sonora al siguiente piterclip, como se podrá comprobar, es psicodelia, pero con sesgos de lo que comenzaría a conocerse años después como rock sinfónico y progresivo. 

Viaje en una confortable nube

Cuando en 1979 Pink Floyd sacó al mercado "The Wall" yo había dejado de ser un fan incondicional de esta banda británica. En pleno proceso de descomposición del progresivo, Pink Floyd aparecían como uno de los dinosaurios del rock en vías de extinción. Ya no impresionaba su gran despliegue de tecnología instrumental como en los tiempos de Ummagumma o Live at Pompeii. Hacía mucho tiempo que PF habían dejado de ser una banda referente del underground. Roger Waters había iniciado un largo contencioso que duraría varios años en contra del resto de la banda y la disolución era inminente. The Wall me parecía una penosa canción de discoteca con cierto aire ramplón. Por supuesto, ni compré el disco ni me molesté en escucharlo.

Nunca se debe decir "de este waters no beberé". Al cabo de unos años escuché "Comfortably Numb", uno de los temas del álbum, y me quedé impresionado. Es una composición larvada por un mítico solo de guitarra de Dave Gilmour, alabado por la crítica mundial. Pero justamente a mi lo que me sobra es el solo de guitarra. El tema tiene un precioso interludio, acolchado por Rick Wright con un fraseo de teclados que acompaña una melancólica letanía. Es precioso y, por supuesto, supone una nueva alusión a la tormentosa vida de Syd Barret. Se hizo un film del doble "The Wall", protagonizado por Bob Geldof. En todo caso, estamos ante un temazo digno de ser escuchado en este blog.

Genesis | The Musical Box

The Musical Box (1971) comienza con tres guitarras acústicas (Tony Banks se une a Steve Hackett y Mike Rutherford para esta parte), y el sonido de la banda se encuentra muy lejos de las atmósferas pastorales de canciones anteriores. La influencia del recientemente ingresado Steve Hackett lleva a la banda dentro de territorios más oscuros. La canción está construida alrededor de una sucesión de suaves secciones acústicas y de secciones extremadamente fuertes, con Phil Collins acelerando su batería y Hackett dándole a los oyentes un primer vistazo de su precisión quirúrgica en la guitarra. Todo esto junto desemboca en el clímax de la sección final".

Al menos en su primer fragmento podría decirse que es una de las más bellas canciones que se han escrito en la música pop. Genesis era un grupo que, al menos en la época que fue liderado por Peter Grabriel, revivía con su música la atmósfera de la época victoriana. La música de Genesis, a veces embrollada y sumamente sofisticada, no se remitía al simple esquema estribillo-estrofa-solo-estribillo tradicional de la música pop. El formato más libre del rock progresivo se perdió con el punk y por las exigencias del mercado. En este video podemos ver a Gabriel y compañía en una actuación de estudio en 1972:

Solomillo London: mods, ska y skins

No sé si habréis jugado alguna vez al "teléfono". Se basa en lo siguiente. Se forma una cadena y el primero le dice una cosa al segundo de forma rápida y no demasiado clara. El segundo le repite al tercero lo que ha entendido, el tercero al cuarto, y así sucesivamente. La gracia del juego consiste en comprobar QUÉ es lo que ha entendido el último. Generalmente, no tiene ninguna relación con lo que ha dicho el primero.

Digamos que este juego es uno de los principios de la historiografía. Formalmente, la historiografía es el arte de escribir la historia y el conjunto de obras o estudios de carácter histórico que se consultan para realizar dicha labor. En principio parece un empeño bastante noble, pero a menudo se incurre en interpretar sui generis los hechos. También es posible que la fuente sea un relato parcial y tendencioso. El arte de falsear la historia por intereses partidistas, ideológicos e incluso comerciales no es algo nuevo. Las fotos retocadas de Stalin son una buena muestra de ello:

Los caídos en desgracia desaparecían de la Historia sin necesidad de Photoshop

Más ejemplos: la propia Biblia no es más que una deformación vis-a-vis de hechos supuestamente históricos, escrita muchos siglos después. Pero quizás quien mejor reflejó el arte de historiografiar la historia fue Winston Churchill cuando  dijo: "La Historia será amable conmigo porque tengo intención de escribirla". Y es que no hay nada mejor que escribir tu propia historia yourself.

De esta forma, las posibilidades de escribir una crónica del pasado con un mínimo de rigor pasan por el análisis puro y simple de restos arqueológicos o directamente por no escribirla y dejar que los huesos descansen en paz. Nosotros no estuvimos allí, por tanto es imposible saber de primera mano qué es lo que ocurrió. Tan sólo nos queda un rastro difuminado en el que debemos intuír o imaginar la realidad y el contexto.

DIOS Y LA PANTERA ROSA ERAN MODS PORQUE WIKIPEDIA LO DICE

Quizás, lo que hoy conocemos como "movimiento mod" responde totalmente a este arquetipo historiográfico. El número de tonterías que se llegan a decir del "movimiento mod" dentro del ámbito hispanoparlante es incontable. La primera de ellas, considerar que los 'mods' eran un "movimiento", como si hubiera una adscripción a una entidad, sindicato o partido político (o una corriente de pensamiento político o filosófico) Parece como si los mods hubieran llevado una pegatina en la solapa diciendo "soy mod" o un carnet en la cartera que les acreditara como tales. Primer error.

Hemos traspasado la frontera del siglo XXI y un número creciente de personas se sienten identificadas con la palabra 'mod'. Sin embargo, me parece que las sucesivas reediciones del 'movimiento' mod han "reescrito" sin demasiado rigor la historia de los mods originales. Y de la misma forma que Stalin hacía desaparecer a la gente de las fotos, el "movimiento mod" las hace aparecer.

Fotograma de la película "Quadrophenia" de Franc Roddam (1979, trece años después de la desaparición del 'movimiento mod') Aparece la imagen de un negro jamaicano a la izquierda, cosa que resultaría imposible en el libreto original que los Who incluyeron en el álbum Quadrophenia en 1973. Aparte de que los Who habían derivado claramente en ese disco hacia el formato "opera-rock" propio del "rock progresivo" tan en boga en los primeros 70's, que tenía tanto que ver con el ska como los espárragos con el telégrafo. A su vez, la aparición de Sting en el reparto de la película también resulta significativa. The Police tenían una clara tendencia a mezclar el rock con el reage jamaicano.

Todo lo que se escribe sobre los mods de los 60's hoy en dia está plagado de falsedades, leyendas y exageraciones. Y la más flagrante de ellas es la continua y persistente manía de relacionar a los mods (los de los 60's) con el ska y la música jamaicana... y hasta con los skin-heads!!! Es innecesario aclarar que no me molesta en absoluto que los pulcros jóvenes británicos de los 60's sean relacionados con "sucios negros" de ghettos de clase obrera y bla bla bla (como llegó a insinuar un trol que se me coló por aquí. Lo que si me molesta es que se falsee la realidad. Y es que hoy en día se da por hecho que la gran mayoría de los mods de los 60 eran consumidores de... ska!, cosa que es sustancialmente falsa. La verdadera relación de los 'mods' (neo-mods, mejor dicho) con el ska surgió en 1979, cuando Paul Weller y los Jam eran ya famosos y tras el estreno de "Quadrophenia" (el film) Este resurgimiento del 'movimiento mod' a finales de los 70's, después de muchos años, coincidió en el tiempo con la aparición de grupos etiquetados como 'ska' como Madness, Bad Manners, Special AKA y The Specials, quienes además tenían, por su forma de vestir y por sus portadas, una cierta cercanía al estilo 'mod'. Grupos que, por cierto, en su momento fueron etiquetados con el apelativo 'new-wave' y que nunca tuvieron una relación directa con el 'movimiento mod'.

Usaban adornos con cuadritos y tocaban ska. Todo cuadra.

Lógicamente, todas las consultas que se pueden hacer por Internet hoy en día (45 años después) han sido escritas por gente que no eran mods de los 60's y que ni siquiera habían nacido por aquel entonces. Por tanto, todas ellas dan por hecho que entre los mods de los 60's y el ska existía una gran comunión. Es raro porque yo soy asiduo lector de prensa musical desde los 8 años (1967) y conozco la palabra mod desde los 13 (1974) y curiosamente nunca había oído hablar del ska. La palabra ska apareció en mi vida en 1979, justamente cuando el 'movimiento mod' resucitó. Si tenemos en cuenta que hasta Wikipedia, que es el medio de "información" más fiable que existe en Internet (juas!), está escrita por los propios usuarios de la red, la fiabilidad de las fuentes consultadas deja mucho que desear. Mi amado trol me dejó enganchados unos cuantos links que demuestran ("fehacientemente y sin el menor género de dudas") que todos los mods de los 60's escuchaban ska. Lo curioso del caso es que, efectivamente, no hay una sola página mod en Internet que no resalte esa unión. Raro es que no nos pueda mostrar ningún grupo mod inglés de los 60's influenciado por el ska. (Raro, pero raro) Pero lo bueno es que incluso tratándose de panfletos escritos por gente que en los 60's no estaban aún ni en la imaginación de sus abuelos, ellos mismos acaban patinando y evidenciando que se han documentado de páginas escritas por mods de segunda generación. Veamos si no lo que pone en la propia Wikipedia:

Según fue desarrollándose este estilo de vida (...) los mods expandieron sus gustos musicales más allá del jazz (ok) y el R&B (ok), adoptando el Soul - particularmente los sellos Tamla Motown, Atlantic y Stax - (ok), sello Sue, R&B 100% negro de Louisiana (añado) (ok) y....  ska jamaicano y Bluebeat. (?)

Por supuesto, lo último es una coletilla puesta en el furgón de cola en el último minuto, por que el ska nunca fue el estilo predilecto de los mods de los 60's. No hay ningún artículo ni libro sobre los mods escrito anteriormente a 1979 que haga mención del ska como principal preferencia de los 'mod' en los 60's. Con una desviación perversa, porque lo que muchos indentifican como ska hoy en día tiene poco o nada que ver con la música que hacían Laurel Aitken y cía a principios de los 60's. Lo que los músicos jamaicanos llevaron a GB curiosamente se parecía mucho más a lo que hoy conocemos como reggae. El ska, tal y como hoy en día se conoce, no es más que la versión británica acelerada del reagge vulgar y corriente, inventada por los grupos de la movida 2Tone en 1979.

El ska 60's fue un fenómeno local de la isla de Jamaica. Todos los indicios apuntan a que no comenzó a tener un mínimo de popularidad en el Reino Unido hasta después de la independencia de la isla en 1962. Y aún así con un soporte bastante precario y compitiendo en condiciones muy duras con fenómenos pop de la época y con los sellos negros norteamericanos. Es más que probable que el ska en cuestión fuera consumido en Gran Bretaña exclusivamente por la parroquia jamaicana y que solo un grupo de mods del Soho se enteraran de ello. Otro hecho incontrovertible es que la música jamaicana no comenzó a gozar de una cierta popularidad en las islas británicas, y en el mundo entero, hasta que Desmond Dekker publicó Israelites en 1968. Y para aquel entonces, mods, lo que se dice mods, no había ya ni uno

WIKIPEDIA: "Los mods fueron el producto de una cultura de cambio continuo, y tal vez fue inevitable que la escena se devorara a sí misma (…) en el verano de 1966, la escena mod estaba en plena decadencia. Según florecieron la música psicodélica y la cultura hippie mucha gente se fue adaptando a la nueva escena en detrimento del movimiento mod". (99%, añado) También MOD MADRID se refiere al ocaso del "movimiento mod": "Por 1966-67 los Mods se diferenciaron en dos claras tendencias, unos siguen la moda del Swinging London, que poco a poco los lleva a la sicodelia y a lo hippie (99%, añado) y , los otros, se mantuvieron fieles a sus orígenes de clase obrera e ideales Mod antiburgueses. En poco tiempo las dos derivas del movimiento Mod original fueron totalmente diferentes y siguieron caminos opuestos". Si, lo que pasa es que la primera deriva tuvo una repercusión mundial impresionante, mientras que la segunda tiene deriva como nombre propio. De dicha deriva se oye hablar en fanzines mod superespecializados que hacen mención a artículos escritos en 1987, es decir, 20 años después de que los mods originales desaparecieran. Curioso, asimismo, las referencias a sus "orígenes de clase obrera", cuando otras fuentes definen a los mods en un arquetipo dandy, amante del tergal y de los trajes a medida de las sastrerías italianas (sic) Postura claramente burguesa de la que da fe la propia 'biblia' del 'movimiento mod', "Absolute Beginners", de Collin McInnes, en la que se narran los inicios de los mods en 1958 retratando a un joven de alto nivel adquisitivo que no sabe como gastarse el dinero que gana. Ser burgués no significa tener dinero. También se puede ser burgués de espíritu.

Esto es quizás lo más gracioso de todo. Cuenta la leyenda que unos cuantos siguieron siendo mods, pero anticapitalistas, con conciencia social y tal. Se raparon el pelo, se pusieron tirantes y de ahí nacieron los "skin-heads".(?) La primera falacia es que no hay ninguna prueba de que 18 skins fotografiados en Londres en ¡¡¡1969!!! sean una deriva del movimiento mod. Sobre el tema hay otras opiniones por internet.

Se les nota la "conciencia social" a la legua...

• Eran hooligans del furbo, entusiasmados por los éxitos de la selección inglesa en el Mundial-66. 
• Eran obreros portuarios que llevaban los pantalones arremangados, no para imitar el look jamaicano, sino para evitar que se los comieran las ratas. 
• Eran lumpenproletarios vecinos de los inmigrantes jamaicanos que adoptaron la moda rudeboy a falta de algo mejor que hacer. 
• Charles Dickens ya describió al cockney garrulo, no hacía falta repetir. 
• Son un invento de Stanley Kubrik y la revista Life para el lanzamiento de La Naranja Mecánica... 

Como vemos, ninguno de los supuestos se relaciona con la palabra 'mod'.

En fin, creo que en honor a la más raída historiografía,  Solomillo London es el mejor nombre para las leyendas urbanas que actualmente nos explican sobre el 'movimiento' Mod.

Focus - Hocus Pocus

Hocus Pocus es uno de esos temas que sería pecado no incluir en este blog. El grupo holandés Focus humilló de forma inmisericorde a la gran mayor parte de sus predecesores rockeros y, no digamos ya, a los cuatro pringaos que salen de los programas triunfantes de la televisión actual con este derroche de genialidad.

Liderados por Thijs Van Leer (teclista, flautista y pedazo de cantante), obtuvieron fama mundial gracias a este tema que combina virtuosismo, complejidad, técnica, cánticos tiroleses y una gran capacidad de trabajo. Eran los tiempos del progresivo y los grupos de rock se esforzaban en hacer obras cada vez más elaboradas. Pese a la pretenciosidad, Focus abordan el tema como MUCHA MARCHA y grandes dosis de sentido del humor. Más de una vez me he preguntado si era fácil reproducir un tema así en directo. Las dudas se vieron despejadas anoche, cuando me encontré con este vídeo, grabado en directo en 1973 para un programa de televisión.

Hocus Pocus fue publicado en 1971 en el segundo álbum de la banda, Moving Waves. Este video se subió a Youtube en el año 2007 y hasta [agosto 2013] ha recibido 3.749.191 de visitas. Hay que verlo para saber por qué.

Tema: "Hocus Pocus" / Grupo: Focus / Vídeo: Octubre 1973.

Etiquetas: 1971, 70's, Holanda, progresivo, rock sinfónico